30+ stylów sztuki AI: przykłady wizualne i pomysły na prompty

Style sztuki AI można wykorzystywać na wiele sposobów, od postów w mediach społecznościowych i plakatów po koncepty postaci i projekty osobiste. Błyszcząca obróbka 3D może pasować do posta na Instagramie, akwarela potrafi nadać banerowi sklepu delikatniejsze wykończenie, a anime może całkowicie zmienić osobowość pomysłu na postać. Różnica często wynika z kilku decyzji: pociągnięć pędzla, konturów, światła, koloru i kompozycji. Poniżej korzystamy z Kling AI Image Generator, aby zbadać 30+ stylów sztuki AI, z promptami, które możesz dopasować do własnych pomysłów.

Czym są style sztuki AI?

Style sztuki AI to wskazówki wizualne określające, jak wygląda i jakie wrażenia wywołuje wygenerowany obraz. Styl może pochodzić z tradycyjnego medium, takiego jak akwarela lub węgiel, z ruchu artystycznego, takiego jak impresjonizm lub art déco, z formatu cyfrowego, takiego jak pixel art lub renderowanie 3D, albo z filmowego ujęcia budowanego z języka kamery, oświetlenia, koloru i faktury. Styl nie zastępuje tematu promptu; mówi modelowi obrazów, jak interpretować i przedstawiać ten temat.

Dla twórców użyteczne rozróżnienie dotyczy treści i wyglądu. „Rudy lis czytający przy oknie w chacie” opisuje treść. „Miękkie akwarelowe plamy, widoczna faktura papieru, chłodna paleta zmierzchu, delikatne rozlewanie krawędzi” opisuje wygląd. Gdy te dwie części są jasne, wynikiem łatwiej kierować niż w przypadku promptu, który po prostu prosi o coś „artystycznego” lub „pięknego”.

Różne style sztuki AI z promptami i przykładami

Mając na uwadze to rozróżnienie, pogrupowaliśmy ponad 30 stylów w sześć grup i skupiliśmy się na detalach wyróżniających każdy z nich. W każdej grupie ta sama scena bazowa jest przetwarzana za pomocą generowania obraz-do-obrazu w Kling IMAGE 3.0 Omni, co ułatwia porównanie różnych stylów sztuki dla sztucznej inteligencji obok siebie i obserwowanie, jak zmieniają się kreska, kolor, faktura, oświetlenie i kompozycja.

Tradycyjne style malarskie i rysunkowe

Tutaj charakter tworzą ślady pędzla, faktura papieru, linie ołówka i rozmazania węglem. Wybraliśmy siedem tradycyjnych ujęć, aby pokazać, jak ta sama scena może się zmieniać wraz z medium.

• Akwarela: Kolor ma tendencję do miękkiego rozlewania się na krawędziach, a papier często prześwituje spod jaśniejszych warstw.
• Gwasz: Bardziej kryjący niż akwarela, gwasz skłania się ku bardziej płaskim plamom koloru i mocniejszym kształtom, zachowując przy tym malarski wygląd.
• Malarstwo olejne: Warstwowe pociągnięcia, głębsze cienie i bogatsze światła nadają scenie większą wagę i głębię.
• Kredka kolorowa: Cienkie linie i krzyżowe szrafowanie wprowadzają detal, nie ukrywając faktury papieru pod spodem.
• Szkic węglem: Rozmazania, przerwane kontury i nietknięte fragmenty papieru nadają węglowi jego surowy, szkicowy charakter.
• Ilustracja tuszem: Czarne linie, szrafowanie i mocny kontrast przenoszą większość detali, z niewielką potrzebą koloru.
• Impresjonizm: Krawędzie stają się mniej precyzyjne, gdy krótkie pociągnięcia pędzla, zmieniające się barwy i odbite światło przejmują kontrolę.

Aby zobaczyć, co każda metoda faktycznie zmienia, korzystamy z tej samej deszczowej kwiaciarni jako punktu wyjścia. Temat pozostaje na miejscu, podczas gdy zmienia się sformułowanie dotyczące medium, śladów, koloru i powierzchni. Następnie przepuszczamy każdą wersję przez Kling IMAGE 3.0 Omni i zestawiamy wyniki obok siebie.

Style anime, komiksowe i ilustracyjne

Kreska, proporcje, cieniowanie i faktura druku niosą tu większość charakteru. Wybraliśmy sześć ilustrowanych kierunków, aby pokazać, jak ta sama scena z bohaterem może przejść od dopracowanego anime do bardziej płaskiej grafiki lub łagodniejszych ilustracji w stylu książki obrazkowej.

• Japońskie anime: Wyraźna kreska, cieniowanie w stylu cel oraz ekspresyjne cechy sprawiają, że postać pozostaje wizualnie czytelna i pełna życia.
• Zainspirowane mangą: Czarny tusz, mocniejsze cienie i ostrzejsze kąty przybliżają portret do wydrukowanego kadru mangi.
• 2D Chibi: Przerośnięta głowa, zwarte ciało i uproszczone rysy przekształcają postać w słodszą, przerysowaną formę.
• Retro komiks: Mocne kontury, rastry półtonowe i bardziej płaskie kolory przywołują dynamikę starszych drukowanych komiksów.
• Obrazkowa książka dla dzieci: Zaokrąglone formy i delikatniejsze, malowane wykończenie zmiękczają portret, upodabniając go do strony z książki obrazkowej.
• Malarstwo gongbi: Cienka kreska i starannie nakładane warstwy koloru wydobywają drobne detale, zapewniając bardziej precyzyjne i dopracowane wykończenie niż swobodniejsze style pędzla.

Ten sam portret na czerwonym tle pojawia się w każdej wersji, a poza, fryzura z podwójnym kokiem i strój pozostają niezmienione, dzięki czemu różnice między stylami anime, manga, chibi, komiksowym i innymi ilustracyjnymi są łatwiejsze do dostrzeżenia.

Style cyfrowe i 3D

Cyfrowe i 3D opracowania przenoszą nacisk na formę, materiał i głębię. Cztery przedstawione tutaj kierunki prowadzą tę samą kompozycję od gładkiej i przestrzennej ku fasetowanej, spikselizowanej lub uformowanej niczym odlew.

• Render 3D: Materiały, odbicia i cienie sprawiają, że obiekty odbierane są jako bryły, a nie płaskie rysunki.
• Low-poly 3D: Gładkie krzywizny ustępują widocznym fasetom, dzięki czemu scena wydaje się bardziej geometryczna i celowo uproszczona.
• Pixel Art: Siatka staje się częścią obrazu, a ostre krawędzie i schodkowany kolor zastępują płynne przejścia.
• 3D Clay: Zaokrąglone kształty i formowana powierzchnia nadają codziennym przedmiotom miększą, ręcznie ukształtowaną jakość.

Miasto pozostaje rozpoznawalne przez cały czas, od nabrzeża i wieżowców po samoloty nad głową. Zmienia się to, w jaki sposób każde opracowanie radzi sobie z budynkami, głębią i ogólną powierzchnią sceny.

Style graficzne i projektowe

Projektowanie graficzne w równym stopniu opiera się na sposobie rozmieszczenia elementów, jak i na tym, co znajduje się w kadrze. Geometria, ornament, bloki koloru i pusta przestrzeń mogą skierować ten sam temat ku bardzo różnym tradycjom projektowym.

• Art Deco: Symetria, schodkowe formy i dekoracyjna geometria nadają kompozycji gładki, architektoniczny porządek.
• Art Nouveau: Płynne krzywizny, botaniczne motywy i ozdobne obramowania zastępują sztywniejszą strukturę czymś bardziej organicznym.
• Bauhaus: Kolory podstawowe, prosta geometria i asymetryczne siatki utrzymują projekt w oszczędnej i celowej formie.
• Minimalism: Mniej oznacza tu więcej: mniej obiektów i szersze obszary otwartej przestrzeni przyciągają uwagę do głównego tematu.
• Vintage Propaganda Poster: Wyraziste sylwetki, zawężona paleta barw i mocny kontrast nadają plakatowi bardziej stanowczą, bezpośrednią obecność.

W tym porównaniu obserwatorium pozostaje centralnym elementem, podczas gdy wszystko wokół zostaje przetworzone według innego języka projektowego. Jedna wersja skłania się ku symetrii, inna ku krzywiznom lub otwartej przestrzeni, co ułatwia odczytanie zmiany bez modyfikowania samego tematu.

Portret, fotografia i style filmowe

Ta grupa opiera się bardziej na języku kamery niż na rysowanych znakach. Wybraliśmy sześć kierunków, aby pokazać, jak ta sama scena portretowa może przechodzić od naturalnej fotografii do stylizacji edytorialowej, kolorystyki inspirowanej filmem lub bardziej dramatycznego ujęcia filmowego.

• Fotorealistyczny portret: Skóra, światło, głębia i detale powierzchni pozostają bliskie temu, czego można oczekiwać po naturalnym ujęciu aparatem.
• Edytorial high-fashion: Stylizacja, poza i mocniejsze oświetlenie sprawiają, że portret wydaje się bardziej zamierzony i ukierunkowany na magazynowe publikacje.
• Kadr filmowy: Kadrowanie, cień i kolor sugerują większą historię poza ujęciem.
• Film noir: Głęboki kontrast, nastrojowe światło i ciemniejsze potraktowanie tonalne kierują scenę w stronę klasycznego noir.
• Kodak Portra 400 Film Look: Miększy kontrast i delikatny kolor nadają portretowi znajome, filmowe ciepło.
• Ricoh Nostalgia: Stonowane tony i lekko nostalgiczne wykończenie sprawiają, że scena wydaje się spokojniejsza i bardziej refleksyjna.

Używamy tego samego portretu z kawiarni, aby porównać różne stylistyki fotograficzne, zmieniając światło, kadrowanie, ton i wykończenie, zachowując jednocześnie znajomy obiekt.

Style futurystyczne, fantastyczne i eksperymentalne

Te style rozluźniają zasady świata rzeczywistego. Pustynne miasto kolejowe może zapożyczać z dawnej wizji przyszłości, zanurzać się w neonach, wymykać się logice snu lub rozrastać w coś znacznie bardziej wyobrażonego.

• Retro-futuryzm: Chrom, zaokrąglone maszyny, analogowe sterowanie i formy w stylu połowy XX wieku ukazują przyszłość przez oldschoolową perspektywę.
• Cyberpunk: Neonowe szyldy, odsłonięte kable, zużyte powierzchnie i zatłoczona technologia napełniają miasto szorstkością i energią.
• Synthwave: Gorące różowe i fioletowe niebo, świecące horyzonty oraz geometryczne słońca nadają krajobrazowi wyrazisty retrocyfrowy charakter.
• Surrealism: Znane budynki pozostają, ale skala, rozmieszczenie i logika fizyczna przestają zachowywać się zgodnie z oczekiwaniami.
• Fantasy Concept Art: Wyniosłe konstrukcje, odległa mgiełka i wymyślone punkty orientacyjne sprawiają, że miasto wydaje się jedynie niewielką częścią znacznie większego wyobrażonego świata.

Stacja kolejowa nadaje całości wspólny motyw, ale niewiele więcej musi pozostać niezmienne. W pięciu wersjach miasto zmienia się pod względem epoki, koloru, skali, a nawet tego, co uznaje się za fizycznie możliwe.

Te rodzaje stylów artystycznych dla promptów AI rozciągają się od tradycyjnego malarstwa i ilustracji po 3D, fotografię, projektowanie graficzne i bardziej eksperymentalne kierunki. To, który pasuje najlepiej, zależy od tego, co chcesz, aby obraz przekazywał, oraz które szczegóły są najważniejsze.

Co możesz zrobić z Kling AI Generator sztuki

Kierunek artystyczny to tylko część zadania. To, jak ujęcie jest kadrowane, w jaki sposób postać przechodzi do następnej sceny i czy drobne szczegóły przetrwają proces, może mieć równie duże znaczenie. Generator sztuki Kling AI łączy te elementy w jednym przepływie pracy obrazu.

Opowiedz więcej jednym kadrem

Prosty obraz postaci może być punktem wyjścia dla całej opowieści. Dzięki AI image-to-image w IMAGE 3.0 Omni, prosty obraz bazowy i podpowiedź tekstowa mogą przenieść postać do zatłoczonego wagonu metra, ustawić akcję, kadrowanie, światło i ostrość oraz zamienić tę scenę w filmowy moment pełen napięcia i historii.

Opowiadaj historię przez całą serię

Niektóre pomysły potrzebują więcej niż jednego kadru. Tryb serii obrazów może zbudować powiązany zestaw z jednego lub kilku obrazów referencyjnych, przenosząc postacie, scenerie i ogólny kierunek z ujęcia na ujęcie. To otwiera drogę do tworzenia storyboardów, sekwencji postaci, zestawów kampanii i treści społecznościowych bez każdorazowego odtwarzania ustawień.

Uchwyć szczegóły, które mają znaczenie

Luźne kosmyki włosów, splot tkaniny, tekstura skóry, odbicia i subtelne zmiany światła mogą zmieniać to, jak przekonujący wydaje się rezultat. IMAGE 3.0 Omni został zaprojektowany, aby wychwytywać drobniejsze elementy, jednocześnie utrzymując kluczowe obiekty, ton i atmosferę w zgodzie w powiązanych pracach. Ma to znaczenie podczas dopracowywania portretu, próbowania kilku kierunków artystycznych lub pracy nad dłuższą serią.

Zakończ w 2K lub 4K

Szybki koncept i plakat w pełnym rozmiarze nie potrzebują takiego samego poziomu rozdzielczości. IMAGE 3.0 Omni obsługuje bezpośredni eksport w 2K i 4K, zapewniając więcej miejsca na drobne tekstury i płynniejsze przejścia kolorów. Opcja wyższej rozdzielczości nadaje się do plakatów, grafik marki, wizualizacji produktów, tablic koncepcyjnych, prewizualizacji oraz innych prac przeznaczonych na większe ekrany.

Jak tworzyć prompty stylów sztuki AI

Od tego momentu różne typy obrazów wymagają różnych szczegółów. Lista stylów artystycznych dla promptów AI może wskazać właściwy kierunek, ale sceny narracyjne, ujęcia filmowe, prace stylizowane i serie obrazów potrzebują nieco odmiennego podejścia. Poniżej rozkładamy, co jest najważniejsze w przypadku każdego z nich.

Do scen narracyjnych i realistycznych

Kiedy obraz ma uchwycić chwilę, opisz, co robi obiekt i gdzie to się dzieje.

Przydatna struktura wygląda następująco:

Styl + obiekt + działanie + sceneria + szczegóły + światło + nastrój

Na przykład:

Ziarnistość filmu. Blondynka o kręconych włosach w granatowej bluzce, z odchyloną głową, zamkniętymi oczami, śmiejąca się. Otwarta pustynia z suchymi krzakami i zmodyfikowanym srebrnym autobusem. Naturalna tekstura skóry i bawełny. Ostre światło słoneczne, podwójna tęczowa flara obiektywu, mocne światło konturowe. Postać umieszczona w prawej środkowej części kadru na tle błękitnego nieba i piaszczysto-żółtego podłoża. Płytka głębia ostrości, twarz w ostrości. Atmosfera wolności.

Akcja nadaje obrazowi opowieść, natomiast sceneria, światło i drobne detale powierzchni doprecyzowują moment.

Dla scen filmowych

Ujęcia inspirowane filmem zazwyczaj wymagają ściślejszej kontroli nad kadrowaniem i światłem.

Spróbuj:

Styl + temat + sceneria + oświetlenie + kompozycja + kąt + ostrość + kolor + nastrój

Na przykład:

Realistyczny filmowy wygląd. Mężczyzna w ciemnym garniturze, szarej koszuli i okularach na lotnisku, rzucający czujne boczne spojrzenie. Za nim plakaty i tablice lotów. Mieszanka światła dziennego i chłodnego światła wewnętrznego. Ujęcie średnie na wysokości oczu, ostre ustawienie ostrości na twarzy z miękkim bokeh w tle. Chłodne tonacje, delikatne ziarno filmowe, napięta atmosfera.

Tutaj szczegóły, takie jak ujęcie średnie, wysokość oczu, ostrość na twarzy i chłodne światło, robią więcej niż dokładanie kolejnych przymiotników.

Dla stylizowanych obrazów

Ilustracje i projekty oparte na postaciach mogą poświęcić mniej miejsca terminom związanym z kamerą, a więcej proporcjom, strojom, kresce, fakturze i detalom otoczenia.

Przydatna struktura to:

Styl artystyczny + temat + poza lub wyraz twarzy + strój + sceneria + nastrój

Na przykład:

Styl anime 2D. Młoda dziewczyna z jasnobrązowymi loczkami i delikatną grzywką, z dużymi, iskrzącymi oczami i subtelnym rumieńcem. Sukienka Lolita inspirowana lasem z białą koronką, haftem w pnącza, bufiastymi rękawami, koronkowymi skarpetkami, brązowymi butami Mary Jane, naszyjnikiem z pereł i spinkami z kwiatami. Trzyma koszyk z kwiatami i ma nieśmiały, skierowany w dół uśmiech. Rozmyte płatki na pierwszym planie, za nią ciepłe drewniane wnętrze, miękkie światło dzienne i kremowe rozmycie tła. Łagodna, figlarna atmosfera.

Tę samą koncepcję można dostosować do akwareli, chibi, retro komiksu, pixel artu lub innych stylów sztuki AI, zastępując cechy definiujące wykończenie.

W przypadku serii obrazów

Pojedyncza klatka może swobodnie się zmieniać. Sekwencja zwykle potrzebuje kilku szczegółów, które powinny zostać zachowane.

Używaj referencji do wszystkiego, co powinno pozostać rozpoznawalne:

Referencja postaci + referencja scenerii + akcja + szczegóły ciągłości

W przypadku sekwencji fabularnej:

Użyj Ref 1 dla Postaci A, Ref 2 dla Postaci B, a Ref 3 dla scenerii. Postać A konfrontuje się z Postacią B, gdy dwie grupy spotykają się na dziedzińcu. Zachowaj rozpoznawalność ich twarzy, ubioru i otaczającej architektury w całej sekwencji.

W przypadku portretów, plakatów, zdjęć produktów lub innych nienarracyjnych zestawów referencje mogą zamiast tego spajać postać, otoczenie, kompozycję lub ogólny kierunek artystyczny.

Zachowaj konkretne sformułowania

Terminy takie jak piękny, profesjonalny czy oszałamiający pozostawiają sporo miejsca na interpretację. Konkretne szczegóły są zwykle bardziej użyteczne.

• Zamiast „piękne oświetlenie” napisz „późnopopołudniowe słońce padające na jedną stronę twarzy”.
• Zamiast „bogata faktura” napisz „grube ślady pędzla wokół najjaśniejszych partii”.
• Zamiast „ładne kolory” napisz „przygaszona szałwia, krem i zgaszony róż”.

Wyblakłe tony, wytarte meble, pożółkły papier, niski kontrast i ciepłe wieczorne światło mogą nadać scenie bardziej nostalgiczny charakter.

Zmieniaj tylko to, co wymaga poprawy

Jeśli temat już się sprawdza, zostaw go w spokoju. Jeśli sceneria wydaje się właściwa, zachowaj ją. Dostosuj światło, kadr, kolor, fakturę lub kierunek artystyczny zamiast przebudowywać wszystko od zera.

To szczególnie przydatne podczas testowania różnych stylów artystycznych na znanym temacie. Mniejsze zmiany sprawiają, że różnice między akwarelą, anime, filmem noir, cyberpunkiem i innymi kierunkami są znacznie łatwiejsze do dostrzeżenia.

Najczęściej zadawane pytania

Jakie są różne style sztuki AI?

Wiele popularnych sztuka AI stylów czerpie z dobrze znanych form sztuki, w tym akwareli, malarstwa olejnego, rysunku węglem, anime, cel shadingu, klasycznych komiksów, impresjonizmu, kubizmu i surrealizmu. Narzędzia, takie jak Kling AI, potrafią odczytać te wskazówki w prompcie i przełożyć je na kolor, kreskę, fakturę oraz kompozycję. Kling IMAGE 3.0 Omni może także zamieniać tekst w obrazy i przenosić pomysł do powiązanej serii.

Jak pisać podpowiedzi w stylu anime dla AI?

W przypadku podpowiedzi dotyczących sztuki anime najpierw opisz postać, uwzględniając fryzurę, strój, wyraz twarzy, pozę i scenerię, a następnie dodaj kilka cech określających finalny efekt, takich jak czyste kontury, cieniowanie cel, ekspresyjne oczy czy miękka paleta kolorów. Taki generator obrazów AI jak Kling IMAGE 3.0 Omni może pracować zarówno z podpowiedziami tekstowymi, jak i obrazami referencyjnymi, pomagając zachować rozpoznawalność postaci i ogólnego wyglądu w powiązanych obrazach.

Czy mogę połączyć dwa style artystyczne w jednej podpowiedzi obrazu AI?

Tak, możesz połączyć dwa style artystyczne w jednej podpowiedzi obrazu AI. Zazwyczaj działa to lepiej, gdy nie konkurują o to samo zadanie. Anime może na przykład wyznaczać projekt postaci, podczas gdy akwarela odpowiada za tło, światło i kolor. Kling IMAGE 3.0 Omni może pracować zarówno na podstawie tekstu, jak i obrazów referencyjnych, dając ci przestrzeń do łączenia obu bez polegania wyłącznie na nazwach stylów.

Końcowe wnioski

Style sztuki AI mogą wyznaczyć kierunek, ale ostateczny rezultat zależy równie mocno od tematu, kompozycji, światła, koloru i tekstury. Kling IMAGE 3.0 Omni potrafi odczytać te wskazówki z tekstu i obrazów referencyjnych, pomagając ci ukształtować ogólny kierunek artystyczny i przenieść tę samą ideę przez powiązaną serię. Stamtąd ten kierunek może rozszerzyć się na portrety, plakaty, storyboardy i inne kreatywne prace.